+++ English version below +++

Theater. Abend. Tanz. Drei Worte, die die Fantasie anregen. Welche Bilder werden dann in unseren Köpfen heraufbeschworen? Nicht selten kreisen zumindest einige der Gedanken um Tutus, ein Corps de Ballet (aus dem der Eindruck entstehen könnte, alle Tänzer:innen seien aus ein und demselben Muster von allerhöchster Instanz selbst geschöpft) und einige Solist:innen unterschiedlichen Ranges. Das kommt nicht von ungefähr.

Die Ursprünge des westlichen Theatertanzes sind in den italienischen und französischen Höfen ab dem 16. Jahrhundert zu finden und waren vornehmlich als Machtdemonstrationen zu verstehen.

Insbesondere das Ballet de la Nuit (1653), in dem der König, Ludwig XIV., selbst als Verkörperung der Sonne die Welt erleuchtete, hat diese Assoziationen vorgezeichnet und somit geprägt. Dieser Welterleuchtung immanent ist die durch Ludwig absolut ausgeübte Macht. Der Absolutismus, das politische System, in dem des Königs absolute Macht über eine vermeintlich graue und gleichförmige Masse von Menschen reichte, bildete den Kontext, der die Herauskristallisierung dieser Tanzbilder und -formen begünstigte. Sowohl der Tanz wie auch die politischen Systeme mit ihren gesellschaftlichen Normen, die dessen Entstehung einrahmen, entwickeln sich weiter – wenn auch nicht linear und symmetrisch. Monarchien existieren im sogenannten „Westen“ immer noch, wenn auch heutzutage parlamentarisch stark eingeschränkt. Absolutistische Tendenzen gibt es auch ohne Monarchie. Und der Tanz ist vom Hofe ins Theater gewandert, in den öffentlichen Raum, und auch – verstärkt durch die Pandemie – in virtuelle Räume. In vornehmlich demokratischen, politischen Kontexten hat sich die Kunstform Tanz ab Beginn des 20. Jahrhunderts nicht nur räumlich emanzipiert. Neue Techniken wurden erforscht und kreiert, die in neuen Bewegungsformen und -vokabularen mündeten (Graham, Laban, Limon, Horton, Tanztheater und sofort).

Dennoch: Die Fantasie, dass Tänzer:innen einem bestimmten (Körper)Bild entsprechen müss(ten) , sind fast intakt geblieben.

Die unterschiedlichen Diskussionen und mitunter gerichtlichen Auseinandersetzungen um Vorwürfe des Rassismus (z.B. im Falle Chloe Lopes Gomes / Staatsballet Berlin 2021) oder die Tatsache, dass mit Misty Copeland eine Tänzerin afroamerikanischer Herkunft noch im Jahr 2015 als Pionierin gefeiert wurde, als sie Prima Ballerina am American Ballet Theatre wurde, machen deutlich, wie eingeprägte Erscheinungsbilder auch in der angeblich so offenen Kulturszene verankert sind. Die Körperlichkeiten von Tänzer:innen werden jedoch nicht nur durch ihre Hautfarbe definiert. Auch die Beschaffenheit der Körper und deren unterschiedliche Wahrnehmung eröffnen Möglichkeiten, um den Tanz – und in ihm, uns – erneut und anders zu betrachten. In den 1970er/1980er Jahren ist eine Tanzbewegung entstanden, in der Tänzer:innen mit und ohne sogenannter Behinderung(en) zusammen tanzten. Im Community Dance und Amateurkontexten hat sich die Idee rasch verbreitet und – oft unter der Ägide der Wohlfahrt – Tradition gewonnen. Es gibt mittlerweile kaum ein westliches Land, in dem nicht die Möglichkeit besteht, mit Tänzer:innen mit unterschiedlichen Körperlichkeiten zu tanzen.

Doch die Glasdecke des professionellen Kontexts zeigt sich viel resistenter.                                                                           

Mit Candoco entstand 1991 die erste professionelle inklusive Tanzkompanie in Europa. In Deutschland sind auch international arbeitende Choreograf:innen und Tänzer:innen mit nicht normativen Körperlichkeiten wie Raimund Hoghe oder die Akteur:innen der in Köln beheimateten DIN A 13 tanzcompany seit Mitte der 1990er Jahre kontinuierlich präsent. In vielen Ländern gibt es Projekte und Instanzen – vornehmlich im Kontext des Freien Theaters – die Raum für nicht-normative Choreograf:innen zu schaffen versuchen. Jedoch wurden und werden sie von der Öffentlichkeit unterschiedlich wahrgenommen, beziehungsweise ordnen sie sich selbst divergierend im Tanzgeschehen ein.

Ein echter Durchbruch in Sachen Sichtbarkeit gelang in Deutschland erst 2016 mit der Präsentation Claire Cunnighams (schottische Choreografin, selbst-identifizierend als disabled artist) im Berliner Festival Tanz im August.

Seitdem ist auch der etablierten Theaterwelt gedämmert, dass die Frage, was Tänzer:innen sind, was sie ausmacht und wie sie aus(zu)schauen (haben), noch nicht beantwortet ist. Seitdem rücken Festivals, Choreograf:innen und Tänzer:innen, die nicht dem implizit vorherrschenden Normenset entsprechen und sich bis dato „on the fringes“ beweg(t)en, näher an die wohlverdienten Spotlights. Dies sind gute Neuigkeiten, wenn man davon ausgeht, dass der Tanz auch tatsächlich die politischen und gesellschaftlichen Kontexte widerspiegeln sollte, in denen er entsteht. Jedoch geht die Transformation weiter. Denn gerade die Möglichkeit, mit Künstler:innen zu arbeiten, deren Konstitution sich inhärent der betrieblichen Logik des „Show must go on“ widersetzt, gibt dem Tanz die Chance, das System, in dem er entsteht, unter die Lupe zu nehmen. Dies ist eine Herausforderung, kann aber auch nach der Pandemie zukunftsweisende Wege darstellen, um Theater weiter zu fassen und um Räume entstehen zu lassen, in denen Fantasien im Plural entwickelt werden können. Mit Harmonia machen sich das Theater Bremen, Unusual Symptoms und Choreografin Adrienn Hód / Hodworks auf den Weg.

       

Unser Autor:

Dr. Gustavo Fijalkow hat eine Vielzahl an internationalen mixed-abled Tanzprojekten und Festivals ko-konzipiert und mitgeleitet, unter anderem bis 2014 als Creative Producer der Kölner DIN A 13 tanzcompany. Er hält weltweit Vorträge und berät Tanzkompanien, die sich mit Tanz und Mixed-Abilities auseinandersetzen möchten. Seit 2020 ist er künstlerischer Projektleiter der Forward Dance Company am LOFFT - DAS THEATER Leipzig. Weiterhin leitet er in Kooperation mit DIN A 13 tanzcompany das von der Kompanie ausgerufene Projekt UNIque@dance, das neue Strukturen für die Ausbildung von Tänzer:innen mit Behinderung an den Tanzhochschulen entwickelt. Er hat die Vorbereitungen zu Harmonia beratend begleitet.

 

+++ English version +++

Images of dance and dance worlds

Gustavo Fijalkow, expert for mixed-abled dance projects, has accompanied the preparations for the new dance production "Harmonia" in an advisory capacity. In his text he gives insight into the difficulty of breaking centuries-old viewing habits.

Theatre. Evening. Dance. Three words that stir the imagination. What images are conjured up in our minds? Not infrequently, at least some of the thoughts revolve around tutus, a corps de ballet (from which the impression could arise that all dancers are drawn from one and the same pattern by the very highest instance itself) and some soloists of different ranks. This is not by chance.

The origins of western theatrical dance can be found in Italian and French courts from the 16th century onwards and primarily constituted demonstrations of power.

In particular, the Ballet de la Nuit (1653) in which king Louis XIV himself illuminated the world as the embodiment of the sun, informed and thus shaped these associations. Immanent to this illumination of the world is the absolute power exercised by the king. Absolutism, the political system in which the king's absolute power could be exercised over a supposedly gray and uniform mass of people, formed the context that favoured the crystallization of these dance images and forms. Dance, political systems and the social norms that frame the former’s emergence continue to evolve, albeit not in a linear or symmetrical fashion. Monarchies still exist in the so-called "West", although nowadays they are severely limited by parliaments. Absolutist tendencies exist even without monarchy. Dance has migrated from the court to the theatre, to public spaces, and also - intensified by the pandemic - to virtual spaces. The process of emancipation triggered mainly by and within democratic contexts since the beginning of the 20^th century has caught on also beyond the spatial issue: New techniques were explored and created, resulting in new forms of movement and vocabularies (Graham, Laban, Limon, Horton, dance theatre, etc.).

Nevertheless, the fantasy that dancers must conform to a certain body image has remained almost intact.

The various discussions and legal disputes about accusations of racism (e.g. in the case of Chloe Lopes Gomes / Staatsballet Berlin 2021) or the fact that with Misty Copeland a dancer of African-American origin was still celebrated as a pioneer in 2015 when she became Prima Ballerina at the American Ballet Theatre have made clear the extent to which images are rooted - even within the allegedly open-minded cultural scene.

However, skin colour is not the only perceived marker of dancers’ bodies. Also the very constitution of bodies and their different sensorial possibilities open up opportunities for looking at dance - and in it, at us - anew and differently. In the 1970s/1980s, a dance movement emerged in which dancers with and without so-called disabilities started to dance together. In community dance and amateur contexts, the idea spread rapidly and gained traction - often under the aegis of charity. There is now hardly a Western country where there is no possibility to dance with dancers with different physicalities.

But the glass ceiling of the professional context has proved much more resistant.

Candoco, the first professional, inclusive dance company in Europe was established in 1991 in the UK. In Germany, internationally working choreographers and dancers with non-normative physicalities, such as Raimund Hoghe or those from the Cologne-based DIN A 13 tanzcompany have also been continuously present since the mid-1990s. In many countries there are projects and instances - mainly in the context of independent theatres - that attempt to create spaces for non-normative choreographers and dancers. However, they have often been perceived as 'different' by audiences or they have located themselves divergently within the spectrum of the dance scene.

A real breakthrough in terms of visibility was achieved in Germany only in 2016 with the presentation of Claire Cunnigham (Scottish choreographer, self-identifying as disabled artist) in the Berlin festival Tanz im August.

Since then, it has dawned on the established theatre world that the question of what dancers are, what makes them tick and what they look like has not yet been answered. Since then, festivals, choreographers and dancers who do not conform to the implicitly prevailing set of norms and who have been "on the fringes" have been moving closer to well-deserved spotlights. This is good news, assuming that dance should actually reflect the political and social contexts in which it is created. However, the transformation implies more than this. For it is precisely the opportunity to work with artists whose constitution inherently resists the operational logic of "the show must go on" that gives dance the chance to scrutinize the very system in which it is created. This is a challenge that  - especially after the pandemic  - can enable forward-looking ways to grasp theatre and to allow spaces to crystalise in which fantasies can be developed in plural. With Harmonia, Theater Bremen, Unusual Symptoms and choreographer Adrienn Hód / Hodworks are setting out on this journey.

 

 

Our author:

Dr. Gustavo Fijalkow has co-conceived and co-directed a variety of international mixed-abled dance projects and festivals, amongst others as Creative Producer of the Cologne-based DIN A 13 tanzcompany until 2014. He lectures worldwide and advises dance companies that want to explore dance and mixed-abilities. Since 2020, he is artistic project director of the Forward Dance Company at LOFFT - DAS THEATER Leipzig. Furthermore, in cooperation with DIN A 13 tanzcompany, he leads the company's UNIque@dance project, which develops new structures for the training of dancers with disabilities at dance academies. He accompanied the preparations for Harmonia in an advisory capacity.

 

                                                 

Veröffentlichung: 25.02.22