Im Oktober 2023 besuchte Alexandra Morales, Künstlerische Co-Leiterin der Tanzsparte, den Busan International Dance Market (BIDAM) – eine Plattform für Tanzkunst, die lokale Künstler:innen mit dem Rest der Welt verknüpfen soll. Es ist eine der wenigen Plattformen Südkoreas, die sich auf Tanzkunst spezialisiert hat und sich die Förderung und internationale Distribution junger Tanzschaffender zur Aufgabe macht. Aus dem Besuch entstand ein Mentoring-Programm, das im Frühjahr 2024 einer kleinen Gruppe junger südkoreanischer Tanzschaffender ermöglichte, zehn Tage lang das Theater Bremen mit seiner Tanzkompanie Unusual Symptoms und das Festival Vier Tage Tanz zu besuchen. Ihr alle seid Teil des Busan International Dance Market und der Korea Young Dance Challenge gewesen und konntet deshalb auch an dem Mentoring-Programm teilnehmen. Wie sind BIDAM und der Nachwuchswettbewerb aufgebaut? 

Sophie Sohyun Kim: Es funktioniert so: Für die Korea Young Dance Challenge starten wir einen Open Call für werdende Choreograf:innen, die ihre nächste Premiere gerne beim Busan International Dance Market im Oktober präsentieren möchten. BIDAM ist ein zeitgenössisches Tanzfestival, das jährlich im Oktober in Busan stattfindet. Die Bewerber:innen reichen die Inhalte und ein kurzes Video, das einen Arbeitsstand zeigt, ein. Beim letzten Mal haben sich zwischen 30 und 40 Menschen bzw. Gruppen beworben. Aus diesen Einreichungen haben wir sechs ausgewählt. Das Mentoring-Programm haben wir nicht geplant. Die Idee entstand, als Alexandra Morales im Oktober 2023 BIDAM besuchte. Daraufhin haben wir erfolgreich Gelder für den Austausch beantragt und jetzt sitzen wir hier. Und ich bin sehr froh darüber. 

Nun habt ihr die letzten zehn Tage in Bremen verbracht und dabei so einiges erlebt: Ihr habt Proben besucht, alle Vorstellungen während Vier Tage Tanz gesehen, an Workshops zu verschiedenen Themen teilgenommen und zum Schluss sogar an euren eigenen kleinen Solos und Pitches gearbeitet, die ihr intern aufgeführt habt. Wie geht es euch, was sind eure Eindrücke?

Moon Garyung: Ich fühle mich sehr inspiriert, nachdem ich an so vielen Workshops teilgenommen habe und so viele Performances gesehen habe. Insbesondere die Arbeiten von Unusual Symptoms haben mich inspiriert, aber auch ein bisschen schockiert. Ich dachte, „Wow, was ist das für eine Performance?“ Das werde ich nicht vergessen. 

Shin Hyse Soo: Ich war bereits letztes Jahr in Deutschland und habe diesmal eine etwas andere Erfahrung gemacht. Das letzte Mal war ich hier, um ein Stück zu touren, diesmal bin ich hier um zu lernen. Dabei habe ich ein anderes Lernen erlebt, als das tradierte Lernen in der Schule. Hier konnte ich für mich herausfinden, wie wichtig es für Lernprozesse ist, Fragen zu stellen und verschiedene Künstler:innen zu treffen. Obwohl wir diesen Austausch „Mentoring-Programm“ genannt haben, hatte ich die ganze Zeit das Gefühl, dass wir uns auf Augenhöhe begegnet sind. Mir war dabei wichtig, die Künstler:innen nicht nur als solche kennenzulernen, sondern auch etwas über sie als Menschen und ihre Leben hier in Deutschland zu erfahren. 

Gibt es eine Sache, die euch besonders gefallen hat, etwas Bestimmtes, das ihr nach eurem Aufenthalt mit nach Hause nehmt? 

Moon Garyung: Besonders überrascht war ich darüber, dass an den öffentlichen Workshops bei Vier Tage Tanz auch Leute teilgenommen haben, die keine professionellen Tänzer:innen sind. Aber ich konnte sie sehr genießen und fand es toll, dass wir alle zusammen getanzt haben. Ich komme aus dem traditionellen Koreanischen Tanz und habe oft das Gefühl, dass die Leute in dieser Szene etwas verschlossen sind, vielleicht sogar stagnieren. Was ich hier gesehen habe, kam von Herzen. In den Stücken des Festivals gab es eine große Vielfalt und Flexibilität auf der Bühne, das fand ich mutig. 

Shin Hyse Soo: Ich weiß nicht ob ich eine Lieblingssache habe. Aber mir ist während des Mentoring-Programms aufgefallen, dass viele Leute eine gute Frage wertschätzen. Mir hat die Art und Weise gefallen, mit der die interviewten Personen mit meinen Fragen, aber auch mit Fragen allgemein umgegangen sind. 

Sind euch innerhalb dieser zehn Tage Unterschiede zwischen der Tanzszene hier in Bremen und der Tanzszene in Korea aufgefallen? 

Kim Minji: Mir ist besonders in den Workshops aufgefallen, dass die Leute hier sehr offen sind. Hätten dieselben Workshops in Korea stattgefunden, wären die Teilnehmenden wahrscheinlich zurückhaltender gewesen. Und auch die Performances in Korea unterscheiden sich von den Arbeiten hier. Zuhause habe ich das Gefühl, dass sich Tanzstücke sehr auf die Bewegungen fokussieren. Hier ist es theatraler: Es wird gesungen, es wird mit verschiedenen Gesichtsausdrücken gearbeitet. 

Moon Garyung: In meiner, der traditionellen Tanzszene, wird Sprechen oder Schauspielen beim Tanzen negativ kommentiert. Der Fokus liegt hier klar auf dem Tanz selbst. Schon als ich noch kleiner war, habe ich im Tanzunterricht gelernt, dass das Theatralische nicht gut ist, nicht nützlich. Aber hier habe ich das Theatralische als etwas Gutes erlebt. Ich merke jetzt, dass ich dieses Element in meinem Tanz vermisse. Ich habe dann gleich versucht, das in mein Solo mitaufzunehmen und war unglaublich nervös davor. 

Was verbindet die beiden Tanzszenen miteinander – abgesehen vom Tanz selbst? 

Moon Garyung: Beide Szenen denken das Publikum sehr mit. Die Performances entstehen für das Publikum und für das, was das Publikum zusammen mit den Tänzer:innen erleben kann. Das Publikum wird als elementarer Teil der Performance mitgedacht. 

Kim Minji: Im Moment habe ich nicht das Gefühl, dass wir verschiedene Szenen sind, sondern eine. Wir sind natürlich durch das Genre Tanz miteinander verbunden und auch durch die Energie, die wir in den Tanz stecken. 

Gibt es etwas, das ihr hier erlebt habt und in Zukunft in eure eigenen künstlerischen Arbeiten miteinfließen lassen werdet?

Moon Garyung: Ich musste mich in letzter Zeit privat viel mit dem Tod auseinandersetzen, dem Tod und seiner Nähe zum menschlichen Leben. Sowohl mein Verhältnis zum Tod als auch zur Kunst entwickeln sich weiter. Nach dieser Erfahrung hier fühle ich mich bereit, dieses Thema in meine künstlerische Arbeit mit aufzunehmen und mich dahingehend einem Publikum öffnen zu können. Das Verhältnis von Publikum und Performer:innen ist für mich eine spannende Schlüsselfrage, die ich mitnehme und in meine Arbeit integrieren möchte. 

Kim Minji: Ich gehe da total mit. Für mich waren die Momente, in denen ich selbst Teil des Publikums war und gleichzeitig das Publikum beobachtet habe, zentral. Natürlich bin regelmäßig von meinem Umfeld inspiriert, von anderen Tänzer:innen und Choreograf:innen, von meiner Familie und meinen Freund:innen. Aber das Publikum setzt eine andere Art von Impulsen. Ich habe hier gesehen, wie Choreograf:innen in ihren Arbeiten in eine echte Kommunikation mit dem Publikum gehen – darüber denke ich noch viel nach. 

Shin Hyse Soo: Ich nehme vor allem Dinge für meine persönliche Entwicklung mit. Ich möchte mich weiterhin verbessern und bin motiviert, mich immer wieder von verschiedenen Arbeiten inspirieren zu lassen und eine Tänzerin zu werden, der sowohl ein:e Choreograf:in als auch das Publikum vertrauen kann. Wenn ich neue Dinge auf der Bühne entwickle, stelle ich mir oft eine andere Person vor, eine Figur sozusagen. Diese Personen bzw. Figuren sind inspiriert von Begegnungen, und je mehr Menschen ich treffe, desto mehr Input habe ich auch dafür, wer ich auf der Bühne sein kann. Das kann manchmal auch hart sein, wenn ich einer Person gegenüber viel Mitgefühl empfinde. Aber ich denke, als Tänzerin muss man auch diese Gefühle zulassen – das kann auch helfen, Tanz zu kreieren. 

 

--- English version ---

The Unusual Symptoms have visitors from South Korea: Anna Kellert, assistant to the dance directors, spoke to the young dancers and participants of the mentoring program Kim Minji, Shin Hyse Soo and Moon Garyung as well as to Sophie Sohyun Kim, assistant to the director of Busan International Dance Market, at the end of their stay.

In October 2023, Alexandra Morales, Artistic Co-Director of the Dance Department at Theater Bremen, visited the Busan International Dance Market (BIDAM) – a platform for dance art that seeks to connect local artists with the rest of the world. It is one of the few platforms in South Korea that specialises in dance art and is dedicated to the promotion and international distribution of young dance artists. The visit resulted in a mentoring program that enabled a small group of young South Korean dance professionals to visit Theater Bremen with its dance company Unusual Symptoms and the Vier Tage Tanz festival for ten days during spring of 2024. You were all part of the Busan International Dance Market and the Korea Young Dance Challenge and were therefore able to take part in the mentoring program. How are BIDAM and the Young Dance Challenge structured? 

Sophie Sohyun Kim: It works like this – for the Korea Young Dance Challenge, we launch an open call for emerging choreographers who would like to present their next premiere at the Busan International Dance Market in October. BIDAM is a contemporary dance festival that takes place annually in Busan every October. Applicants submit their content as well a short video showing a work in progress. Last time, around 30 to 40 people or groups applied. We selected six from these submissions. We did not plan the mentoring program. The idea came up when Alexandra Morales visited BIDAM in October of 2023. We subsequently successfully applied for funding towards the exchange and now we are here. And I am very happy about that. 

Now that you have spent the last ten days in Bremen and having experienced a lot: you attended rehearsals, saw all the performances during Four Days of Dance, took part in workshops on various topics and even worked on your own little solos and pitches, which you performed internally.  How are you doing, what are your impressions?

Moon Garyung: I feel very inspired after attending so many workshops and seeing so many performances. Especially the work of Unusual Symptoms inspired me, but it also shocked me a little. I thought “Wow, what kind of performance is that?” I will not forget that. 

Shin Hyse Soo: I have been to Germany last year and have had a slightly different experience this time. Last time I was here to tour a piece, this time I am here to learn. I experienced a different way of learning than the traditional way of learning at school. Here I found out for myself the importance of asking questions and meeting different artists in learning processes. Although we called this exchange a “mentoring program”, I had the feeling that we were meeting at eye level the whole time. It was important for me not only to get to know the artists as such, but also to learn something about them as people as well as their lives here in Germany. 

Is there one thing that you particularly liked, something specific that you will take home with you after your stay? 

Moon Garyung: I was particularly surprised that the public workshops at Vier Tage Tanz were also attended by people who are not professional dancers. Yet I was able to really enjoy them and thought it was great that we all danced together. I come from a traditional Korean dance background and often have the impression that people in this scene are a bit closed off, perhaps even stagnant. What I saw here came from the heart. There was a lot of diversity and flexibility on stage in the pieces at the festival, which I thought was brave. 

Shin Hyse Soo: I don't know if I have a favourite thing. But I noticed during the mentoring program that a lot of people appreciate a good question. I liked the way the interviewees dealt with my questions, but also with questions in general. 

Did you notice any differences between the dance scene here in Bremen and the dance scene in Korea during these ten days? 

Kim Minji: I noticed, especially in the workshops, that the people here are very open. If the same workshops would have taken place in Korea, the participants would probably have been more reserved. And the performances in Korea are also different from the works here. At home, I have the feeling that dance pieces focus very much on the movements. Here it is more theatrical: there is singing, different facial expressions are used. 

Moon Garyung: In my scene, the traditional dance scene, speaking or acting while dancing is commented on negatively. The focus here is clearly on dance itself. Even when I was younger, I learned that theatricality is not good, not useful, in dance classes. But here I have experienced theatricality as something good. I now realize that I miss this element in my dance. I immediately tried to incorporate it into my solo and was incredibly nervous about it. 

What connects the two dance – apart from the dance itself? 

Moon Garyung: Both scenes involve the audience very much. The performances are created for the audience and for what the audience can experience together with the dancers. The audience is considered an elementary part of the performance. 

Kim Minji: At the moment, I do not have the feeling that we are different scenes, but rather one. We are naturally connected through the genre of dance, and also through the energy we put into it. 

Is there anything that you have experienced here that you will incorporate into your own artistic work in the future?  

Moon Garyung: I've had to deal a lot with death in my private life recently, death and its proximity to human life. Both my relationship to death and to art are evolving. After this experience here, I feel ready to incorporate this topic into my artistic work and to be able to open myself up to an audience in this respect. The relationship between audience and performer is an exciting key question for me that I want to take with me and integrate into my work. 

Kim Minji: I totally agree with that. For me, the moments in which I myself was part of the audience and at the same time observed the audience were central. Of course I remain inspired by my environment regularly, by other dancers and choreographers, by my family and my friends. But the audience provides a different kind of impetus. Here, I have seen how choreographers engage in real communication with the audience in their work - I still think about that a lot. 

Shin Hyse Soo: The biggest takeaway for me were points relating to my personal development. I want to keep improving and I am motivated to keep being inspired by different works and become a dancer that both a choreographer and the audience can trust. When I develop new things on stage, I often imagine another person, a character so to speak. These people or characters are inspired by encounters, and the more people I meet, the more input I have into who I can be on stage. That can also be hard at times when I feel a lot of empathy towards a person. But I think as a dancer you also must allow these feelings - that can also help to create dance.

 

 

Veröffentlicht am 27. Mai 2024